Geoffrey Winne es un acuarelista inglés afincado desde hace años en Andalucía,
donde imparte talleres y cuenta con muchos premios y seguidores. Me
parece interesante por la gran calidad de su trabajo y su gusto por el color,
que le diferencia de manera muy característica en relación con otras tendencias
de la acuarela actual.
Su muy interesante blog, que cuenta con tutorials paso a
paso, es:
En el libro Le Grand Livre de l’Aquarelle/The Complete Book
of Watercolor de Janine Gallizia, Geoffrey Winne habla, entre otras cosas, de
sus bodegones de flores. Comparándola con la pintura de paisaje del natural,
nos dice que el bodegón es para él como crear un paisaje según el estado de
ánimo en que se encuentra en cada momento.
Sus bodegones de flores suelen contener jarrones y otros
objetos de porcelana, loza y cristal, con una composición muy estudiada.
Los distintos objetos presentan con frecuencia tres
tamaños: grande, mediano y pequeño.
Le gusta ofrecer tres niveles de lectura en las flores: las
flores al natural, vistas a través del vidrio y vistas a través del agua.
La distribución del color también es importante, de manera
que algunos de los colores de las flores pueden encontrarse en la base del florero, lo que hace que el ojo se mueva por
la composición.
Aunque muchas de estas obras son una explosión de color, una
fiesta para la vista, según Wynne, la luz y los valores son más importantes que
el color en la acuarela.
Con ayuda de la iluminación mediante focos puede llevar la
luz allí donde quiere atraer la mirada del espectador y poner allí los
contrastes más fuertes. A medida que los objetos se alejan de la luz, disminuye
el contraste y los contornos se difuminan.
Antes de comenzar, hace un pequeño boceto a lápiz con tres
valores: claro, medio y oscuro.
Wynne nos cuenta cómo obtiene sus contornos difuminados en
estas pinturas florales, mediante una técnica que él mismo califica de “tremendamente
arriesgada”.
Comienza pintando las formas, los colores locales y los
valores mediante toque enérgicos de pincel, mojado sobre seco, dejando que los
colores se mezclen sobre el papel.
Cuando la pintura está seca, sumerge el papel en un baño de
agua fría durante unos segundos y después lo coloca en horizontal sobre el
tablero.
Con antelación ha preparado en la paleta una buena cantidad
de tres mezclas distintas de Gris Payne: oscuro, medio y claro.
En el momento exacto, no sabría decir cuando, ya que es
tanto instintivo como fruto de la experiencia de muchos años de práctica, pinta
con un pincel de Petit gris el gris más oscuro, junto a la zona más iluminada
de la composición. Esta pintura se expande sobre el papel mojado, pero como es
muy oscura y densa, no se corre.
Después coloca el segundo tono de gris en zonas alejadas del
punto focal y el tercero en otros lugares.
Un pequeño movimiento del tablero le permite distribuir el
gris por la pintura y el resto es cosa de suerte.
Es un procedimiento duro para los nervios, puesto que pueden
arruinarse muchas horas de preparación, pero si seca bien, la pintura tendrá
sus contornos difuminados.
Esta técnica solo puede realizarse con papel del alto
gramaje.
Una vez que el papel está completamente seco, comienza a
definir las zonas, las formas que se alejan de la fuente de luz principal le
sugieren las formas más imprecisas y los
tonos más apagados, que deja como una simple silueta o una mera sugerencia.
Después pasa a trabajar las zonas más recortadas, pintándolas con más color y mayor contraste.
Algunas de las partes que han de quedar en blanco las
reserva con líquido enmascarador, como las luces de las flores. Si es necesario,
emplea gouache puro o teñido con acuarela para esas luces.
El pequeño estudio de tonos le proporciona la estructura
básica mantenida a lo largo de toda la pintura, pero esta técnica de riego y de
suerte siempre le sorprende, obligándole a adaptarse a los accidentes que se
producen. Es un poco como un juego de contornos recortados y difuminados, hasta
que se encuentra el equilibrio entre unos y otros.
