EXPOSICIÓN SUPERINTERESANTE: ASHER B. DURAND EN LA FUNDACIÓN JUAN MARCH

Hasta el 9 de enero de 2011 se puede ver en la Fundación Juan March de Madrid esta exposición de un paisajista americano, prácticamente desconocido en España, pero que presenta una sensibilidad muy cercana al paisaje europeo, que tuvo ocasión de estudiar en un viaje a Europa a mediados del siglo XIX.

La exposición es muy completa, ya que presenta óleos, grabados y dibujos, que dan una muy buena idea de conjunto de toda su obra. Está montada con gusto y proporciona una buena información sobre el pintor.

Para nosotros, Durand se encuentra muy cercano a estupendos paisajistas como Constable o Claudio Lorena en sus cuadros al óleo, si bien personalmente lo que me ha parecido más notable son sus apuntes a lápiz de árboles, muy cercanos a un pintor tan peculiar como Caspar Friedrick, el pintor romántico alemán del cual hemos podido ver recientemente una intersantísima exposición de dibujos también en la Fundación Juan March y con el cual comparte ese estudio detallado y minucioso, desde una perspectiva un tanto mística, de la anatomía de los árboles, que dibuja a lápiz con igual maestría y fervor que el pintor alemán.
En las notas del catálogo se nos explica que estos estudios de los árboles le servían no sólo como práctica artística, sino también como "ejercicio espiritual"

http://www.march.es/arte/madrid/temporal/temporal.asp

EXPOSICIONES:ENSOR EN LA FUNDACIÓN CARLOS DE AMBERES DE MADRID

James Ensor (1860-1949) ha sido un pintor difícilmente clasificable, que trabajó en la época de las Vanguardias europeas de comienzos del siglo XX, aunque no fue incluido directamente en ninguna de ellas, que fue crítico con el Impresionismo y no salió prácticamente de su Bélgica natal.

No obstante, en el 150 aniversario de su nacimiento, que se celebra este año, se le ha venido a valorar desde una nueva perspectiva, apreciando sus valiosas aportaciones al mundo de la pintura y situándolo en un lugar destacado dentro de la historia.

Enlaza con la pintura anterior, ya que refleja evidentes influencias de la tradición de la pintura flamenca, sobre todo Brueghel y El Bosco, así como de Goya, y a su vez constituyó un importante precedente del expresionismo, del movimiento Dadá, y del surrealismo.
Pintores como Nolde, Grosz y Klee manifiestan su deuda con Ensor.

Lo más destacado de su obra es, en cuanto a la temática, el carácter de crítica social, el empleo de un mundo propio, en el que abundan las máscaras, en un universo teatral, así como los temas religiosos, muy frecuentes en sus cuadros. En cuanto a la técnica, presenta un empleo muy personal del color, de tonos claros, brillantes y empastados, que contrastan con la dureza de los temas que representan.



La exposición que se presenta en la Fundación Carlos de Amberes consta fundamentalmente de obra gráfica en general, muy ilustrativa en cuanto a la temática descrita, una colección de grabados de paisajes de Bélgica (faceta un tanto desconocida en este pintor) y los tres únicos óleos que figuran en colecciones españolas (Museo Thyssen-Bornemisza y Museo de Bellas Artes de Bilbao).

También figura una de sus obras más famosas, el tapiz de la “Entrada de Cristo en Bruselas”, un mosaico casi inabarcable de sátira y crítica social.

DOLORES FRANCO: APUNTES DE OTOÑO - BODEGONES Y FLORES

Últimamente he estado experimentando con pequeños apuntes del natural de bodegones, realizados de forma muy simple, sin dibujo previo a lápiz.

También con algunas acuarelas de flores, siempre tan gratificantes

DOLORES FRANCO: MÁS ACUARELAS VERANO 2010

Aquí os muestro algunas de las acuarelas realizadas en este verano en el entorno de San Lorenzo de El Escorial:






Una apacible placita en San Lorenzo de el Escorial, una de las terrazas más visitadas, ya que cuenta con la sombra de los árboles.











También aquí la sombra es la protagonista, bajo los árboles del parque, con la estatua de Felipe II al fondo.

El magnífico cimborrio de la iglesia del monasterio de San Lorenzo del Escorial, bajo la luz veraniega.

Alguien me regaló una rosa, que se marchitó.

Una de las maravillosas magnolias de mi jardín.

Apunte de las hortensias, al final del verano.

EXPOSICIONES: TURNER Y LOS MAESTROS EN EL MUSEO DEL PRADO DE MADRID (por Dolores Franco)

La finalidad de esta exposición es el análisis de las relaciones entre la obra de Turner y la de otros pintores que le precedieron o fueron contemporáneos suyos.
Con independencia de dicha finalidad, que evidentemente el profano sólo

puede apreciar superficialmente en una visita normal a la exposición y que necesitaría un estudio en profundidad y unos conocimientos más

profundos en la materia, en mi opinión esta exposición, no sólo es interesante porque proporciona el acceso a la obra de Turner (para cuyo mejor conocimiento es básica la visita a la Tate de Londres), sino que, gran parte de su interés consiste en presentar un panorama bastante completo del paisajismo europeo.
Como elementos de comparación con la obra de Turner, se muestran obras de paisajistas franceses (Claudio de Lorena, Poussin, Dughet), paisajistas holandeses (Rembrandt, Ruisdael, Van de Velde) o ingleses (Gainsborough, Constable, Bonnington, Wilkie).
Es una gran oportunidad para conocer algunas estupendas obras de Turner, pero sobre todo para disfrutar de una serie de magníficos cuadros de los mejores paisajistas de nuestro entorno.

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/turner-y-los-maestros/

LA COMPOSICIÓN EN LA ACUARELA (y 4)

ALGUNOS LINKS ÚTILES EN MATERIA DE COMPOSICIÓN


http://www.alvarocastagnet.net/

http://www.apvfilms.com/index.asp

http://members.ozemail.com.au/~rawade/index.html

http://www.charlesevansart.com/projectsindex.htm

http://www.ccpvideos.com/page/CCP/CTGY/ARTJK

http://www.joedowden.com/

http://www.maudart.com/

http://www.nitaleland.com/

http://www.winsornewton.com/

http://jssgallery.org/index.htm

http://www.portail.aquarellissime.fr/


Una lista de páginas:

http://www.wannalearn.com/Fine_Arts/Visual_Art/Painting/Watercolors/


Una recomendación especial para los “tips” de Barbara Simmons:

http://www.artistbarbarasimmons.com/art/tips/tipspast.html

LA COMPOSICIÓN EN LA ACUARELA (3)

6. Contraste

Para dar importancia a una parte de la obra, hay una serie de métodos, y uno de ellos es el contraste. Aumentando o disminuyendo el contraste entre los distintos elementos del cuadro, se les puede dar mayor o menor valor en la composición general.

En la Dama del Armiño, obra maestra de Leonardo da Vinci, la composición está encaminada a destacar el rostro, quedando el resto del cuadro en la oscuridad, excepto la figura sinuosa del armiño, que, junto con la mano, sirve para dirigir la mirada hacia el rostro de la dama.

7. Líneas direccionales

Se trata de líneas reales o figuradas que dirigen el ojo del espectador hacia las zonas de interés y son muy utilizadas por los acuarelistas. También se emplean para dar una dimensión tridimensional que desarrolle la escena en profundidad.
Pueden ser una carretera, una calle, una sombra, una bandada de pájaros o cualquier otro elemento, que marca la dirección de la escena del cuadro y encamina la mirada del espectador en su recorrido por la superficie pictórica.

En “Autumn Lane”, de Singer Sargent, se pueden ver las líneas direccionales que dirigen la mirada hacia el fondo del cuadro, pero que a su vez están en tensión con las sombras horizontales del primer término, que llevan la vista de un lado a otro de los árboles que flaquean el camino.

En “Paseo por la Herrería”de Dolores Franco se emplean las líneas direccionales, para introducir la mirada hacia el fondo del cuadro y dar profundidad a la escena.

8. Espacio positivo y negativo

El espacio negativo es aquella parte del cuadro que rodea a los objetos que están representados en él. En la acuarela, el espacio negativo es tan importante como el espacio positivo, ya que es muy frecuente que la delimitación de un objeto se haga “pintando alrededor” de él, o sea, pintando el espacio negativo.
Por tanto, tenemos que ejercitar nuestra capacidad de visión del espacio, teniendo en cuenta que los objetos que sobresalen en la composición tienen una relación estrecha con el espacio negativo que los delimita y que los configura.

Esta acuarela de Leandro Antolí sirve como ilustración de la pintura en negativo, tan empleada en acuarela.

9. La continuidad visual

En acuarela, conjuntamente con el empleo de líneas direccionales, es también muy frecuente el empleo de esta técnica. Consiste en la inclusión de elementos de la composición en un primer plano, mientras por detrás continúa un segundo plano seguido a través del cuadro y que ofrece al ojo un recorrido fácil de seguir. Es muy utilizada en el paisaje, en el que, por ejemplo, tras los árboles del primer término, se puede visualizar el verde continuo de la hierba de la pradera en la que los árboles se sitúan.

En esta “Canal Road” de Milind Mulick se puede ver con claridad este recurso, por el cual se va guiando el ojo del espectador a través de la superficie pictórica.
http://milindmulick.blogspot.com/

Asimismo, en “Biergarten” de Dolores Franco se ha empleado esta técnica compositiva.

NB: Las reflexiones que hemos apuntado aquí sobre la composición se pueden estudiar también en las ilustraciones de los capítulos anteriores dedicados al color en este mismo blog.

LA COMPOSICIÓN EN LA ACUARELA (2)

4. División del espacio pictórico

a) La división del rectángulo del papel en cuatro partes será una composición estática, que impide que la mirada se mueva por el cuadro, aunque puede ser utilizada en algunas ocasiones cuando sí buscamos ese efecto.

b) Desde el Renacimiento, los pintores han utilizado la denominada “regla áurea”, que es un recurso compositivo de base matemática y que consiste en multiplicar por 0,618 las medidas del papel en que se va a pintar. A partir de los dos puntos obtenidos, se trazan dos líneas perpendiculares y el punto áureo (o idóneo) para situar el centro de atención de un cuadro será en la intersección de estas dos líneas. Es ahí donde se colocará la parte del cuadro que necesita la máxima atención del espectador, el punto de máximo interés, el punto ideal.

Una vez conocida la proporción del punto áureo, no será necesario calcular en cada ocasión el punto exacto, sino que intuitivamente sabremos dónde se encuentra.
Este sistema compositivo fue muy empleado por los impresionistas y sigue siendo utilizado hoy en día.
c) Algo semejante es la denominada regla de los tercios, en la que se divide la composición en tres partes en horizontal y en vertical, situando los puntos de interés en los puntos de intersección.

5. El centro de interés

Toda pintura, por muy sencilla que sea, tiene que tener un centro de interés, que es aquel punto a donde se quiere llevar la mirada del espectador. Puede ser que exista algún otro punto de interés secundario, pero siempre tiene que estar subordinado al centro de interés principal.
Hay infinidad de formas de dotar de importancia al centro de interés, que suele ser el punto donde se halla el color más claro y el más oscuro del cuadro. No sólo a través del color, sino también mediante los valores (oscuro/claro, luz/sombra), el diseño o la disposición de los elementos de la composición, se puede atraer la mirada del espectador.
Muchas veces, el centro de interés no es exactamente el punto que tiene más importancia por sí mismo, sino que es un medio para hacer que el espectador se introduzca, se “adentre” en el cuadro y extienda su mirada por los distintos elementos que conforman la composición.

MÁS REFLEXIONES DE DOLORES FRANCO: LA COMPOSICIÓN EN LA ACUARELA (1)

En esta “Clase de Danza” de Degas podemos admirar la maestría con la que nos hace pasear la mirada por todo el cuadro, para ir examinando cada parte de la composición sin que nos demos cuenta.

Existen muchas formas más o menos complejas de estudiar la composición en cualquier obra artística. Su simple enumeración sería inabarcable para la finalidad de estas líneas, que únicamente pretenden hacer llegar a otras personas algunas de las cuestiones que se me han planteado como acuarelista.
Por ejemplo, si estáis interesados en el tema de la composición, en esta dirección de Internet podréis encontrar unas nociones básicas:

iessemtob.centros.educa.jcyl.es/.../LA_COMPOSICION_EN_EL_ARTE.doc

Con independencia de ello, sin pretender una exposición sistemática, me voy a limitar a esbozar algunas de las ideas que he extraído fundamentalmente de la observación de la obra de otros artistas a los que admiro y de mi propia experiencia.

1. Ideas preliminares

a) Una primera sugerencia es que, ya sea que copiemos una fotografía o hagamos una acuarela del natural, es fundamental dedicar previamente un cierto tiempo (que a veces es mayor que el que tardamos en pintar la acuarela) a estudiar los valores y la composición.
b) También hay que tener muy claro que no se trata de copiar literalmente la escena que nos proporciona la realidad, sino de crear un nuevo escenario, nuestra pintura, en el que todo funcione lo mejor posible dentro de sus propios límites, con independencia del motivo que nos ha proporcionado la inspiración. Y para ello que hay que tener algunas ideas previas, que es lo que los acuarelistas avanzados ponen en práctica cada vez que se ponen a pintar.
c) Así, para entender estos principios tan simples, pero que tardan tanto en ser asimilados por nuestro cerebro, hay que estudiar a los buenos acuarelistas, presentes y pasados, para lo cual la web nos sirve de instrumento utilísimo.
Conviene explorar You Tube y buscar demos de acuarela, que hay muchas y muy interesantes, algunas de pintores conocidos que utilizan este medio para dar publicidad a sus vídeos de acuarela, con lo que podemos aprovechar para conocer, aunque sea parcialmente, sus enseñanzas. También visitar las páginas de arte en general, pintura y acuarela en particular, ya que la mayoría de los acaurelistas tienen su propia página web.
d) Conviene que la composición sea estudiada, porque, mientras más dinámica sea y permita el movimiento de la mirada del espectador a través de su superficie, más interés suscitará el cuadro y su estética será mayor, por lo que gustará más a quien lo pinta y a quien lo contempla.

2. Formato

La primera cuestión a plantearnos es el formato de la pintura que vamos a ejecutar, el formato horizontal o vertical, o incluso redondo, ancho o estrecho, grande o pequeño…, etc. Todas estas opciones están en manos del acuarelista que emprende su obra y como tendrán una innegable influencia en el resultado, conviene explorar las posibilidades artísticas de las distintas posibilidades.

3. Equilibrio

La segunda operación es estudiar la disposición de los distintos elementos en el plano pictórico.
La primera regla a seguir en este sentido es que nunca se debe colocar ningún elemento importante en el centro vertical ni en el centro horizontal de la composición, sino un poco desplazado del centro. Esta es una regla muy simple que también es válida, por ejemplo, en fotografía:
También hay que evitar por todos los medios la simetría en la composición.
Los elementos que se colocan en el centro o simétricamente, producen un efecto antiestético que hay que evitar a toda costa.
La composición equilibrada supone que a un elemento destacable en un lado, se contraponga otro, aunque menos importante, frente a él y que los distintos elementos estén dispuestos de manera armónica. Para conseguir este sentido de la armonía es sustancial ver mucha pintura, educar el gusto y estudiar a los maestros.
Por ejemplo, estudiar la composición de los bodegones de los pintores que nos gustan (Zurbarán, Cézanne, Morandi, etc...), nos ayudará a decidir cómo queremos que sean los nuestros.

Aquí Whistler, en este famoso retrato de su madre, logra el equilibrio con una sencilla y austera composición en L.

RECOMENDACIÓN: EXPOSICIÓN DE LILIANA LOYDI EN SAN LORENZO DEL ESCORIAL

Las delicadísismas acuarelas de Liliana Loydi se podrán contemplar en la sala de exposiciones de la Casa de la Cultura de San Lorenzo del Escorial del 30 de agosto al 5 de septiembre de 2010.

¡no podéis faltar!

NUEVAS ACUARELAS DE DOLORES FRANCO

En verano, con el calor, siempre es más complicado pintar al aire libre, pero sin embargo es cuando tenemos más tiempo para hacerlo.
Aquí os presento algunas de mis acuarelas veraniegas, hasta el momento, claro.

Una vista de la playa de Bénicassim en Castellón, en la costa levantina, en el pasado mes de junio. El tiempo no era bueno y las nubes daban una luminosidad inusitada a esta playa mediterránea, con el puerto de Castellón, el Grao, al fondo.

Esta acuarela pertenece a una salida en grupo para pintar al pantano de Valmayor, en las cercanías de San Lorenzo del Escorial.
Fue un atardecer tranquilo de verano, sin demasiado calor y con una paz magnífica.

La Fuente de la Prosperidad, muy cerca de la Ermita de la Virgen de la Herrería, en el bosque del mismo nombre, en San Lorenzo del Escorial.

EXPOSICIÓN DE LEANDRO ANTOLÍ EN SAN LORENZO DEL ESCORIAL

En la sala de Exposiciones de la

Casa de la Cultura de San Lorenzo del Escorial presentará

LEANDRO ANTOLÍ, del 30 de julio al 7 de agosto, su exposición

"Herbario Privado"

¡No os la perdáis!

REFLEXIONES SOBRE EL COLOR. Y 5

No obstante lo anterior, los pintores "fauves" (que en francés significa "fiera") como Matisse o Vlaminck, o los pintores expresionistas alemanes como Nolde, Mark o Macke, emplearon el color de forma furiosa, buscando un máximo de impacto e intensidad, y que no me resisto a recoger aquí por afinidad personal con esa explosión de color.



Vlaminck



















Matisse
















Emil Nolde



















































Franz Marc
































August Macke

COLORES TRANSPARENTES/OPACOS

Por último, hay que saber que todos los colores no tienen el mismo índice de transparencia/opacidad.
Esta cualidad no sólo afecta al hecho de que puedan superponerse más veladuras en el caso de los colores transparentes, sino también produce el efecto de que las mezclas, ya sea en la paleta o sobre el pincel, entre colores transparentes son más limpias y cuando se introducen los colores opacos, dichas mezclas “se ensucian”.
Las empresas fabricantes de colores suelen indicar esta cualidad de cada uno de ellos en los catálogos y en los tubos de acuarela.
Esta cualidad se indica mediante un cuadrado, en la forma siguiente:

- Un cuadrado vacío: colores transparentes
- Un cuadrado con una raya diagonal: colores semitransparentes
- El cuadrado anterior con una de sus mitades negra: colores semiopacos
- Un cuadrado negro: colores opacos


La elección de la paleta es algo muy personal de cada artista: cada uno siente atracción por unos colores o por otras, por unas combinaciones u otras.
Dentro de lo que podría considerarse una paleta estándar, se distinguen:

Colores transparentes

Aureolina
Carmín de Alizarina

Viridiana
Rosa permanente

Siena natural
Siena tostada
Ultramar francés

Violeta Windsor
Azul de Prusia

Sombra natural

Sombra tostada
Verde Windsor

Colores semitransparentes

Nuevo gutagamba
Rojo Windsor
Azul cobalto

Colores semiopacos

Naranja Windsor
Ocre amarillo
Gris Payne

Colores opacos

Amarillo de cadmio

Amarillo de Nápoles
Naranja de cadmio

Sepia
Rojo de cadmio

Azul cerúleo
Índigo

Es conveniente consultar esta lista en algún catálogo de acuarelas, como, por ejemplo:
http://www.winsornewton.com/products/water-colours/artists-water-colour/colour-chart/
http://www.talens.com/uploads/products/%7BAA9B8F0A-8BE1-456E-AC45-2CFADC1AEE9A%7D_C_ESP.pdf